Passage es una exposición dialógica entre Paul Hance (FR&USA), Brunhilde Bordeaux-Groult. (FR) y Robert Elfgen (DE). Estos 3 artistas tienen en común un profundo amor por los materiales nobles, y conciben la fabricación y el trabajo manual como una práctica del yo.
La serie de espejos de cristal hechos a mano RASA, de Paul Hance, es una obra con 15 espejos de formas y colores diferentes. Los reflejos distorsionados varían de la imagen que uno utiliza para inspeccionarse, es más bien un “espejo” para la búsqueda de nuevos significados. Su nombre, Rasa, es una expresión sánscrita de un concepto de las artes indias sobre el sabor estético de cualquier obra visual, literaria o musical que evoca una emoción o un sentimiento en el lector o el público, pero que no puede describirse.
Un espejo distorsionado inicia un viaje de uno mismo, afirma Paul Hance. En la tradición chamánica de Mongolia, los espejos son un instrumento clave para mirar y construir una línea entre el cuerpo y el alma. En Gabón, en los rituales del Iboga, el espejo es también una herramienta para despertar a la persona a su conciencia.
Paul Hance entrelazó su amplia y continua exploración sobre la manipulación respetuosa y ceremonial de los materiales con los usos culturales del espejo como dispositivo para explorar el yo y la psique (del alma).
De hecho, la fabricación de espejos puede leerse como una metáfora de la interconexión del propio viaje por la vida:
Producir vidrio soplado a boca es una investigación de óxidos, oxido-reducciones, temperaturas y precisión infinita. En la estructura atómica del vidrio, los átomos están desorganizados y encuentran un nuevo orden durante la fase de transición del estado líquido al sólido. Este caos permite cambiar la naturaleza del vidrio. Utilizando diferentes minerales, como el cobalto y el oro, el color aparece como una nueva propiedad, se convierte en un proceso alquímico de transformación.
Los espejos Rasa dialogan con los bancos diseñados y fabricados por Brunhilde Bordeaux-Groult (FR) y Robert Elfgen (DE), que son esenciales para esta exposición, ya que invitan al espectador a ralentizarse y experimentar el “paso” del yo. Ambos artistas se centran mucho en sus prácticas en la nobleza del material, especialmente la madera y los tejidos, así como en la importancia de la artesanía.

PAUL HANCE:

vistas de la exposición

La gente siempre quiere comparar, buscar asociaciones. Ya sea para comprender mejor, por miedo a lo desconocido o para suavizar el choque de lo nuevo. La imagen especular sirve para tranquilizar al yo, se compara la idea interior del yo con la forma exterior. Así, las obras de vidrio de la serie “Rasa” del artista Paul Hance presentes en la exposición nos acogen con cierta familiaridad. Pero las asociaciones se pierden en la arena, porque como expresa el término Rasa, que en sánscrito significa el sentimiento de alegría y plenitud que no puede expresarse con palabras, que surge al contemplar una obra de arte lograda, las asociaciones y sentimientos que evocan estas obras de vidrio soplado tampoco pueden expresarse con palabras.

Hace unos años, cuando Hance añadió una distorsión alienante a sus fotografías utilizando vidrio soplado a boca e irregular, empezó a estudiar intensamente la antigua artesanía de la producción de vidrio. En sus obras, uno podría pensar que está viendo vidrio transparente frente a fondos de distintos colores, pero Hance da al vidrio su coloración mediante recetas transmitidas a lo largo de los siglos y la adición de otros materiales a la arena que se cuece. Por ejemplo, Hance produce la coloración rosa que aparece en muchas de sus obras añadiendo oro en polvo a los demás materiales utilizados en la producción de vidrio. Al calor de los hornos, las sustancias se combinan en función de la proporción de mezcla y se transforman
en vidrio coloreado, tras el cual el artista monta láminas de plata con ayuda de gelatina. Al igual que ocurre con el método fotográfico de impresión con gelatina de plata, en el que las impresiones fotográficas resultantes son siempre únicas, el vidrio soplado a mano, con sus diferentes colores e irregularidades, y el papel de plata, con imperfecciones deliberadamente no corregidas, también son siempre únicos. Del mismo modo que la luz, y por tanto la fotografía, se inscribe en el material en las impresiones de plata gelatinosa, Hance’ inscribe el momento científicamente indescifrable en el que el vidrio se endurece sobre el papel de plata. Al mismo tiempo, Hance crea espejos que, a diferencia de una fotografía, sólo captan fugazmente una imagen del espectador y de su entorno. El espejo se utiliza como medio de percepción del yo exterior e interior en muchas culturas diferentes de todo el mundo. En las tradiciones chamánicas mongolas, los espejos sirven para conectar el cuerpo y el alma, y Hance también afirma que mirarse en un espejo distorsionado estimula un viaje (“pasaje”) al yo subconsciente.

Frente a las obras de Hance cuelga una constelación de siete obras del artista Robert Elfgen. En el centro de la sala, un banco hecho por Elfgen a partir de un tronco de árbol con un asiento tejido invita a los visitantes a sentarse y observar. Al igual que Hance, Elfgen se implica intensamente con el material utilizado y la artesanía asociada a él. La obra de Elfgen también se caracteriza por un enfoque sensible de los materiales utilizados, distintos tipos de madera
madera, cobre, latón y vidrio, que el carpintero de formación combina magistralmente con su formación artística. Al igual que el vidrio soplado a mano, la madera, con sus vetas, y los distintos metales, son piezas orgánicas únicas por oxidación. En las
obras: un cuervo y búhos sin rostro, símbolos de la noche y la muerte. Junto a ellos hay helechos, una forma de vida que forma parte de la naturaleza desde hace miles de años. Montado en un espejo está el apicultor, que entra en un intercambio con la naturaleza a través de su conocimiento de ella y la utiliza en su beneficio. El material reflectante, el subconsciente de los búhos sin rostro y la conexión entre flora, fauna, materia, espacio y hombre también estimulan la reflexión del espectador y le devuelven a sí mismo y a su existencia en y como parte del mundo.

Robert Elfgen

CV

El diálogo se complementa con elaboradas tallas de madera de Brunhilde Bordeaux-Groult. Un biombo que no cumple su función real de cubrir, ya que proporciona una visión guiada a través de una ventana. Detrás de él y junto a él hay otras tres obras colgadas en la pared, todas ellas consistentes en elaboradas tallas en madera, en las que la artista entrelaza motivos abstractos y figurativos de forma compleja. Formas y motivos abstractos se funden con motivos de la naturaleza. Todas las obras están recubiertas de una profunda laca negra de color añil, que parece yacer sobre ellas como una gruesa capa de alquitrán, dándoles un aspecto místico y mórbido y disimulando la materialidad real de la madera. Sin embargo, la textura natural de la madera emerge en algunos lugares, revelando las huellas de la naturaleza inherentes al material. Mediante el uso de formas naturales y geométricas entrelazadas, ocultando y revelando
formas, ocultando y revelando, y un compromiso intenso y sensible con el material y la artesanía similar al de los otros dos artistas, Bordeaux-Groult crea un diálogo complejo entre el material, la forma y el espacio. Con un lenguaje visual oscuro, hacen consciente al espectador de su fugacidad, pero al mismo tiempo de su papel como parte de la totalidad de la naturaleza y de la civilización humana que ha surgido de ella. Frente a esta amplia
instalación, un banco artísticamente elaborado por Elfgen, esta vez en colaboración con Bordeaux-Groult, invita a la contemplación y a la experiencia del yo frente a las obras.

Texto de Moritz SimonEl diálogo se complementa con elaboradas tallas de madera de Brunhilde Bordeaux-Groult. Un biombo que no cumple su función real de ocultación, ya que ofrece una visión guiada a través de una ventana. Detrás de él y junto a él hay otras tres obras colgadas en la pared, todas ellas consistentes en elaboradas tallas en madera, en las que la artista entrelaza motivos abstractos y figurativos de forma compleja. Formas y motivos abstractos se funden con motivos de la naturaleza. Todas las obras están recubiertas de una profunda laca negra de color añil, que parece yacer sobre ellas como una gruesa capa de alquitrán, dándoles un aspecto místico y mórbido y disimulando la materialidad real de la madera. Sin embargo, la textura natural de la madera emerge en algunos lugares, revelando las huellas de la naturaleza inherentes al material. Mediante el uso de formas naturales y geométricas entrelazadas, ocultando y revelando
formas, ocultando y revelando, y un compromiso intenso y sensible con el material y la artesanía similar al de los otros dos artistas, Bordeaux-Groult crea un diálogo complejo entre el material, la forma y el espacio. Con un lenguaje visual oscuro, hacen consciente al espectador de su fugacidad, pero al mismo tiempo de su papel como parte de la totalidad de la naturaleza y de la civilización humana que ha surgido de ella. Frente a esta amplia
instalación, un banco artísticamente elaborado por Elfgen, esta vez en colaboración con Bordeaux-Groult, invita a la contemplación y a la experiencia del yo frente a las obras.

Texto de Moritz Simon

Brunhilde Bordeaux-Groult

Text

CV

EVENTOS ESPECIALES SABADO